O livro infanto-juvenil de Carole Wilkinson será adaptado para os cinemas na animação A Menina e o Dragão. O filme será lançado pela Imagem Filmes e chega aos cinemas brasileiros em 19 de setembro. O título traz uma história de aventura que nasce a partir de uma amizade improvável entre uma criança e um dragão e conta com a direção de Jianping Li e Salvador Simó. Na versão dublada, o longa conta com a voz de Bella Chiang.

Ping é uma jovem órfã que vive na China Imperial, uma região onde dragões e humanos não são mais amigos e a caça da criatura mágica está a todo vapor. A protagonista, em uma fortaleza isolada, encontra um dragão e foge ao lado dele em busca de um ovo, o último ovo do dragão, que foi roubado por um poderoso feiticeiro. A trama de A Menina e o Dragão acontece nesta aventura entre os dois seres, entregando muita aventura, diversão e emoção para o público.

A Menina e o Dragão é uma coprodução entre Espanha e China e o longa se valeu dos melhores profissionais de cada um dos países para transformar o livro de Wilkinson numa história mágica, divertida, repleta de aventura, descobertas e amadurecimento. “A história deve ser sempre a primeira preocupação, e a animação em si é apenas uma ferramenta para aumentar o seu apelo. Nossa principal preocupação era criar uma experiência inesquecível para o público, oferecendo uma ‘montanha-russa de emoções’ que ia da felicidade e medo à emoção e alegria”, explica o diretor Salvador Simó.

Sinopse de A Menina e o Dragão

No passado, dragões e humanos já foram amigos, mas a ganância dos homens destruiu essa aliança, fazendo com que as criaturas mágicas fossem caçadas e aprisionadas. Anos depois, a jovem Ping encontra o último dos dragões imperiais e decide ajudá-lo. Perseguidos pelo exército do Imperador, essa dupla improvável embarca numa aventura cheia de magia e amizade, onde Ping precisa buscar dentro de si um poder adormecido para salvar os dragões e proteger aqueles que ama.

Tendo assistido já a toda temporada de apenas 10 episódios não vai agradar a muitos. Não só pela mudança de etnias de personagens ou pela mudança se genética de outra (caso da vilã Pinguim), mas tb pela mudança de personalidades de outros personagens que foi uma tentativa de ser fazer algo novo, mas que em nada acrescentou.

Diante de acusações duvidosas de se rebelar contra seu pai e o reino, o príncipe Raam (Apinan Teeranantakul) vive no exílio com seu irmão Luxshaman (Manassavin Malevong) e sua esposa, Sita ( Ranee Campen ). As coisas pioram quando o temível Imperador Tossakaan sequestra Sita para extrair seu poder divino cósmico, que pode ser usado para criar e destruir galáxias. Além disso, Tossakaan aliou-se ao Rei Palee, que inicia um ataque armado contra as forças de Raam, que conta com o apoio do General Sucreep (Manop Srijupao) e de três bravos guerreiros rebeldes: Vayu (Sorrawid Tongtheng), Wela (Pattaeshin Sasipattanatada) e Budsaba ( Nalinee Cheewasakorn).

Já que estamos falando do Ramakien (versão tailandesa do Ramayana ), é claro que você ouvirá aqui muitos nomes e ideias que podem ser opressoras, principalmente no início. Aqui existem galáxias, deuses, espíritos, naves espaciais, donzelas, poderes cósmicos, guerreiros lendários e muito mais. Porém, se destilarmos o roteiro encontramos uma história simples e funcional: um punhado de guerreiros devem trabalhar juntos para deter um vilão e resgatar uma princesa. Por que funcional? Porque Mantra Warrior não está interessado no desenvolvimento de personagens, mas sim em deslumbrar-nos com as suas sequências de acção.

Este é o longa-metragem de estreia da Riff Studio , empresa tailandesa que há anos trabalha com animação e efeitos visuais. Aqui eles usam um estilo de animação 3D, que às vezes lembra a cinemática de um videogame, para dar vida à sua história, mas usando um excelente design de personagens para melhorá-la: a combinação da estética tradicional tailandesa com animes mecha futuristas como Mobile Suit Gundam , Evangelion e Code Geass resultam em designs espetaculares e bombásticos que realçam o bombástico das batalhas ou simplesmente enchem os olhos; Destaque para o design de Tossakaan que dá um ar de Darth Vader à já ameaçadora figura tradicional de Thotsakan, Rei dos Demônios.

Feliz 67º aniversário para o estúdio de animação Hanna-Barbera 

Hanna-Barbera foi um estúdio de desenho animado fundado em 1957, sendo em 2001 absorvido pela Warner Bros. Animation. Fundado pela dupla de cartunistas norte-americanos William Hanna e Joseph Barbera, ex-diretores da divisão de animação da Metro-Goldwyn-Mayer e criadores de Tom e Jerry.

O estúdio era conhecido por criar uma grande variedade de personagens animados populares, e por mais 30 anos produziu diversas séries de desenhos animados, sendo os mais conhecidos: Os Flintstones, Zé Colmeia, Os Jetsons, Corrida Maluca, Scooby-Doo e Smurfs. Hanna e Barbera ganharam juntos sete prêmios Oscar, oito prêmios Emmy, um Globo de Ouro e uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood por suas conquistas e também foram introduzidos no Hall da Fama da Academia de Televisão em 1993.

Fundado em 7 de julho de 1957 sob o nome de H-B Enterprises, posteriormente em 1959 sendo renomeada para Hanna-Barbera Productions. Inicialmente o estúdio tinha sua sede dentro do Kling Studios (atualmente Jim Henson Company Lot), anteriormente conhecido até 1953 como Charlie Chaplin Studios, foi a sede do estúdio até 1963, quando foi realocado para 3400 Cahuenga Boulevard que foi a sede da HB até 1998.

Vendido para a empresa Taft Broadcasting Co. em dezembro de 1966, passou por mais de duas décadas como sua subsidiária. No final de 1991, o estúdio foi comprado da Taft (então chamada de Great American Broadcasting) pela Turner Broadcasting System[5] (empresa de Ted Turner), que usou muito do seu catálogo para a programação do Cartoon Network, seu novo canal de TV. Depois da Turner comprar a empresa, Bill Hanna e Joe Barbera continuaram como consultores criativos e mentores.

A Turner se fundiu com a Time Warner em 1996 e o estúdio tornou-se uma subsidiária da Warner Bros. Animation. Em 1998 após vários anos operando em 3400 Cahuenga Boulevard na Califórnia desde 1963 , o estúdio teve sua sede movida para Sherman Oaks Galleria, em Burbank, onde estava localizado a Warner Bros. Animation, a qual foi a sede da Hanna-Barbera até seu encerramento em 12 de março de 2001 e em seguida sua biblioteca se fundiu com o catálogo da Warner Bros, após William Hanna falecer em 22 de março de 2001, dissolvendo o estúdio por completo. Joseph Barbera e ex-funcionários do estúdio passaram a trabalhar na Warner Bros. Animation.

As produções do estúdio feitas durante a metade dos anos 1990 até 1998 feitas exclusivamente para o canal, tinham como detentora dos direitos autorais a própria Hanna-Barbera, produtos licenciados entre outros. Após a mudança da sede para a Sherman Oaks Galleria em 1998, a Cartoon Network Studios na época divisão do estúdio desde sua fundação em 1994, ganhou mais autonomia e com isso produções posteriores como As Meninas Superpoderosas já passaram a ter como detentora dos direitos autorais a Cartoon Network, assim como demais produções já trabalhadas antes da mudança da sede. Depois da absorção do estúdio em 2001, todas as produções feitas pelo estúdio para o canal, passaram a ser produzidas e receber por completo o rótulo da Cartoon Network Studios.

Nos anos 1990, o estúdio revelou Genndy Tartakovsky e Craig McCracken, que se tornariam os mais proeminentes criadores do Cartoon Network Studios, sucessor da HB. Revelou ainda Butch Hartman, que mais tarde seria contratado pela Nickelodeon, onde criou Danny Phantom e Os padrinhos mágicos . Genndy mais tarde sairia do Cartoon Network Studios e dirigiria a série de filmes Hotel Transylvania.

De 2001 a 2021, o estúdio existia apenas no nome, usado para licenciamentos e produções associadas com a biblioteca da Hanna-Barbera Productions, onde especificamente estão os personagens clássicos, até a criação da Hanna-Barbera Studios Europe em abril de 2021. A biblioteca posterior após a compra da Turner sob o nome de Hanna-Barbera Cartoons passaram a ter o rótulo Cartoon Network Studios.

História:  William Hanna e Joseph Barbera se conheceram em 1937 e começaram a trabalhar juntos no estúdio de animação da Metro-Goldwyn-Mayer em 1939. Na década de 1940, enviaram seus desenhos para Walt Disney, que prometeu viajar até Nova Iorque na semana seguinte para contratá-los. Porém o mesmo nunca apareceu.

O primeiro projeto de animação criado e desenvolvido pelos dois foi o desenho Puss Gets the Boot (1940), que iniciou a premiada e popularíssima série Tom e Jerry. Em 7 de julho de 1957 foi fundado o estúdio Hanna-Barbera.

Joseph Barbera e William Hanna em 1965.

Com a popularização da televisão, Hanna e Barbera passaram a desenvolver novos trabalhos e personagens para a essa mídia a partir de 1957. Seu primeiro sucesso foi a série Jambo & Ruivão, seguido dos famosos Dom Pixote, Plic, Ploc & Chuvisco, Zé Colméia, Pepe Legal, Bibo Pai e Bob Filho, Olho Vivo e Faro Fino e Loopy Le Beau, este último feito para exibição no cinema. Depois viriam as séries de horário nobre: Os Flintstones, Manda Chuva, Os Jetsons, Jonny Quest, dentre outros. No final da década de 1960 surgiria outro mega-sucesso: Scooby-Doo.

Em comparação com o trabalho cinematográfico anterior, a animação televisiva era bem precária, repetindo-se cenários de fundo e reaproveitando-se gestos e expressões dos personagens a exaustão. Mas o sucesso era garantido com as divertidíssimas piadas que recheavam os episódios e alegravam tanto adultos como crianças.

A gordofobia é um tema muito delicado e importante de sinalizar, sobre tudo em crianças e adolescentes, quem chega a sofrer perto da escola ou até mesmo em casa devido a este tema, como o caso recente de uma criança de 6 anos que morreu devido a seu pai o força a exercitar-se por “estar muito gordo”. Nos filmes e séries (às vezes até de forma inconsciente) o peso é tratado como algo digno de ridicularizar, se converte em motivo de burla ou asco, como em Wonka ou The Whale. Living Large realmente sinaliza essas atitudes agressivas por parte da sociedade e do círculo cerca o jovem no decorrer do tema..

Tanto a enfermeira como o professor de educação física abordam a situação de uma perspectiva de advertir a criança, recompensá-la e culpá-la pela falta de atividade física. Por outro lado, seus pais, em sua preocupação, eles recriminam qualquer coisa que você venha e em vez de perguntar como se sente, se concentram em dizer que será “muito mais saudável” uma vez que você, qual, resumido ao mesmo tempo escolar por seu peso, não há mais que afetar mais e mais ao jovem.

O filme utiliza cenas animadas em 2D que nos envolvem nos pensamentos do protagonista, tanto seus medos quanto suas fantasias, para entender como se vê afetado por esta situação. Também há sequências em que a comida é mostrada muito angustiante para expressar o amor do garoto pela comida, sem atanazá-lo ou retratá-lo como algo horrível, as quais contrastam com outras partes mais obscuras onde ocorrem ansiedade ou sentimentos negativos.

Quanto ao estilo de animação, o diretor utiliza principalmente o stop motion com marionetes, técnica tradicional do cinema checo (país de onde é o filme). Com sequências variadas que vão desde a vida em casa até os jovens brincando na varanda ou literalmente pelas nuvens, com elementos como neve, animais e burbujas, há um bom olho nos detalhes de cada elemento, assim como um trabalho de fotografia cuidadoso para aproveitar o trabalho dos animadores. O equipamento se concentrou em cuidar muito da expressividade das marionetes: o design dos personagens é divertido e muito criativo, todos têm traços distintivos para torná-los memoráveis ​​à vista.

O ritmo é leve, leve a sério o tema, sem cair na solenidade e fazendo-o semelhante para audiências jovens que poderiam estar passando pelo mesmo: há humor, um toque de romance, canções divertidas para nos mostrar a paixão musical de Ben e até mesmo um divertido monitor. O final é um pouco abrupto em sua resolução, mas dá uma mensagem importante para pais e adolescentes.

Living Large trata de um tema importante com empatia, animação engenhosa e personagens com as quais é fácil de carregar. Sua mensagem a pessoas passando por esta situação é tratada com tatuagem sem nunca ser didática e deixar o foco na jornada de seu protagonista. Kristina Dufková nos trás um trabalho entretido e relevante para crianças e adultos por igual, quem quiser ver, esperemos, podemos aprender várias coisas sobre como abordar este tema sem chegar a outros.

“Living Large” estreia mundial na seção Longas-metragens Contrechamp do festival de Annecy 2024.

Cyberpunk é um subgênero da ficção científica em que a computação, os mundos digitais e a inteligência artificial interagem diariamente com os seres humanos, mas, inevitavelmente, sempre geram uma mudança nos paradigmas sociais e culturais através de questões ontológicas sobre a nossa relação com as máquinas. O diretor e animador Jérémie Périn acrescenta sua própria opinião a este vasto subgênero com Mars Express, um thriller de ação frenético que questiona nossa relação com a tecnologia.

Jun Chow (Geneviève Doang), uma estudante universitária acusada de hackear e desbloquear o livre arbítrio em um robô, desapareceu de seu dormitório na cidade mais importante de Marte. Para encontrá-la e descobrir a verdade, um rico empresário (Mathiu Amalric) contrata Aline Ruby (Léa Drucker) e seu parceiro, o andróide Carlos Rivera (Daniel Njo Lobé), porém, ao se aprofundarem no caso, os detetives descobrem uma conspiração. que poderia mudar para sempre o futuro da humanidade.

O roteiro, também escrito por Jérémie Périn, mistura com maestria elementos do film noir e da ficção científica para construir um thriller dinâmico e imprevisível, com muitas reviravoltas e um mundo em constante expansão. O diretor constrói o mundo organicamente através de pequenos detalhes, diálogos sutis ou design de personagens. Desta forma, nunca sobrecarrega o espectador: dá-nos informações complexas ao mesmo tempo que avança a história, desenvolve as suas personagens e transmite dados históricos sobre este possível futuro.

É interessante que todos os personagens possuem defeitos muito marcantes e até mesmo os personagens robôs ou andróides possuem algumas características humanas. Carlos Rivera, por exemplo, é um andróide criado a partir das memórias de um ser humano falecido cujo principal conflito é encontrar uma forma de se aproximar de sua ex-mulher, que se ressente dele por ser um homem violento e abusivo. Isto traz consigo vários dilemas: o andróide é igual ao humano? Quem é real? Os sentimentos de Carlos Rivera são reais ou estão condicionados pelas memórias do humano que ele era? O filme não as responde completamente, mas levanta as questões nas nossas mentes e através do desenvolvimento da investigação introduz-nos mais questões e convida-nos a tirar as nossas próprias conclusões.

Visualmente, Mars Express baseia-se em duas fontes principais: as ilustrações do cartunista francês Moebius e o cenário de câmera de Paprika de Satoshi Kon. A influência do artista de El Incal é notável no design dos personagens e nos avanços tecnológicos presentes no filme (especialmente nos seres tecno-orgânicos vendidos pela empresa Roy Jacker), porém no design das cidades marcianas podemos ver certas reminiscências das ilustrações das revistas pulp da década de 1950. A obra de Satoshi Kon, por outro lado, é homenageada através das diversas sequências POV do filme, que se tornam uma perspectiva aterrorizante quando entendemos que se trata da visão das inúmeras câmeras de vigilância. na cidade.

Com a Mars Express, Jérémie Périn criou uma obra-prima de ficção científica que utiliza animação para contar uma história sobre a revolução cibernética que visa a evolução das relações entre humanos e máquinas. A proposta do realizador baseia-se no que já foi visto noutros filmes do género, pegando nos elementos mais representativos de cada um deles, tanto a nível estético como narrativo, e tornando-os seus para nos dar um puzzle cheio de mistérios, violência e questões filosóficas. 

“Mars Express” terá sua estreia nos EUA no 2024 Animation First Festival.

O filme japonês The Imaginary (Studio Ponoc) chegará à Netflix em 5 de julho.

Nota: O estúdio francês Les Films du Poisson Rouge ("Klaus") trabalhou nas luzes/sombras/texturização do filme, com uma equipe de 65 pessoas durante 1 ano.

O filme é intitulado Eiga Shimajirō Miracle-jima no Nanairo Carnation

A Benesse Corporation revelou na segunda-feira que sua franquia de anime Shimajirō lançará seu 10º filme de anime, Eiga Shimajirō Miracle-jima no Nanairo Carnation (Shimajirō the Movie: The Rainbow Carnation of Miracle Island), em março de 2024.

Tomohiro Kawamura retorna de Shimajirō para Sora Tobu Fune para dirigir o novo filme na Shanghai Heyuan Culture Media Co., Ltd. e Shirogumi Inc. Yuichi "masa" Nonaka está mais uma vez compondo a música.

A história do filme começa quando Miller, um garoto da Ilha dos Milagre que tem poderes especiais, conhece Shimajirō. Ele diz que os cravos arco-íris de sua ilha, que dizem conceder desejos se você os der a alguém especial para você, foram levados por um mágico malvado. Shimajirō, Miller e os outros partem em uma jornada para recuperar os cravos.

Sobre a franquia: O anime de televisão original Shima Shima Tora no Shimajirou foi ao ar no Japão de 1993 a 2008. A sequência Hakken Taiken Daisuki! Shimajirō foi ao ar de 2008 a 2010 e continuou sob o novo título Shimajirō Hesoka de abril de 2010 a março de 2012. O Shimajirō no Wow! séries de anime e variedades estrearam em 2012 e foram indicadas na categoria Animação do International Emmy Kids Awards em outubro de 2015. 

Eiga Shimajirō: Mahō no Shima no Daibōken (Shimajirō the Movie: Great Adventure on Magic Island), o primeiro filme completo da franquia longa-metragem, totalmente de animação, que estreou no Japão em março de 2018. Outro filme estreou em março de 2019.

Fonte: Comic Natalie

A série fala sobre um grupo de exploradores que acabam sendo náufragados por um animal imenso, eles vão parar em uma ilha que possui um animal ainda maior e mais poderoso.

Enquanto Batman, o capitão Jim Gordon e o promotor público Harvey Dent trabalham lado a lado para terminar com as atividades ilegais de Carmine Falcone, uma série de assassinatos vinculados ao mundo da máfia se desenrolam em Gotham City. 

O vilão misterioso, apelidado ‘Holiday’ (feriado), está matando membros das mais importantes famílias de mafiosos vinculados aos Falcone, a cada feriado ou dia comemorativo. 

Nas cenas dos crimes, restam apenas um arma .22 e um bico de bebê, que atua como silenciador e também como uma ‘lembrança’ do criminoso. As pistas válidas são poucas, e os assassinatos são cometidos por um profissional.

CONFIRA O PRIMEIRO TRAILER ABAIXO:

No elenco de dubladores temos nomes muito conhecidos:

●Jensen Ackles como Bruce Wayne / Batman
●Naya Rivera como Selina Kyle / Mulher-Gato
●Josh Duhamel como Harvey Dent
●Billy Burke como James Gordon
●Titus Welliver como Carmine Falcone
●David Dastmalchian como Calendar Man
●Troy Baker como Coringa
●Amy Landecker como Barbara Gordon
●Julie Nathanson como Gilda Dent
●Jack Quaid como Alberto
●Fred Tatasciore como Solomon Grundy
●Alastair Duncan como Alfred.

Estreia estava prevista para 2020, mas foi remanejada para 2021.

A Netflix divulgou o primeiro trailer de Eden, animação anunciada em 2019. A série agora está prevista para estrear em maio de 2021, sendo que originalmente a data seria em algum momento de 2020.

 Confira uma imagem promocional divulgada:

                                                  Imagem: Divulgação/Netflix

A obra é dirigida por Yasuhiro Irie (Fullmetal Alchemist: Brotherhood) e se passa no futuro, em Eden 3, uma cidade habitada apenas por robôs. Acidentalmente, dois robôs encontram uma bebê humana, só que… Nesse futuro, os humanos era considerados mitos proibidos do passado. Eles resolvem cuidar da criança em segredo.

The Patrick Star Show será uma sitcom focada na família de Patrick Estrela

A Nickelodeon anunciou o lançamento de uma série derivada de Bob Esponja protagonizada por Patrick Estrela. Chamada The Patrick Star Show, a produção será lançada no verão norte-americano, ou seja, entre os meses de junho e setembro

The Patrick Star Show terá formato de sitcom e vai acompanhar a família de Patrick Estrela, composta por seus pais Bunny e Cecil, avô GrandPat e irmã Squidina. A primeira temporada terá 13 episódios e contará com a participação de personagens como Bob Esponja, Seu Sirigueijo e Sandy Bochechas.

Aya e a Bruxa é o mais recente filme de animação produzido pelo Studio Ghibli dirigido por Goro Miyazaki. Baseado no livro Tesourinha e a Bruxa de Diana Wynne Jones, sua estreia aconteceu no dia 30 de dezembro de 2020 no canal japonês NHK.

O filme foi anunciado como o primeiro filme ghibli inteiramente em 3DCG (computação gráfica em 3D) e está entre um dos pré-candidatos ao Oscar para concorrer na categoria de Melhor Filme de Animação.

Ayae a Bruxa terá estreia na América do Norte no dia 3 de fevereiro e estará disponível no serviço de streaming da HBO Max no dia 5 do mesmo mês.

Dados Técnicos

Sinopse: O filme trata de Aya, uma jovem que vive num orfanato e gosta da sua vida, mas quando é adotada por uma bruxa e levada para uma casa assombrada, as coisas mudam. No entanto, a jovem não se deixará assustar e fará o melhor que puder para controlar a situação.

Acho que o diretor e os animadores fizeram um excelente trabalho. Sou um grande fã da arte de Pratt e, para ser honesto, não esperava muito do filme. O quadrinho tem uma atmosfera reconhecível, que eu sinceramente duvidava que pudesse ser movida com sucesso para a tela.

Mas, felizmente - eu estava errado. Fiquei encantado com o resultado final. A atmosfera estava lá, do jeito que deveria ser - eu realmente tive vontade de ler a história em quadrinhos. As cenas são longas e lentas, o diretor não corre para lugar nenhum, leva tempo para mostrar cada expressão facial, para dar peso a cada palavra dita. Assim como a história em quadrinhos.

Mas cuidado - se você não está familiarizado com o trabalho de Pratt, ou se realmente não o ama - duvido que goste desta peça. Além disso, este é um filme europeu, não americano. É muito, muito atípico, e temo que a maioria do público americano possa achar isso confuso, provavelmente até chato.

Além disso, para desfrutar da arte de Pratt, você tem que saber muito - você tem que se interessar por história, geografia, lendas, cultura de várias nações, misticismo, diferentes religiões e crenças ... E o mesmo vale para este filme . Então - não, definitivamente este não é um filme qualquer de animação. E uma obra prima.

Resumindo - se você conhece e gosta do trabalho de Pratt, provavelmente vai gostar do filme. Caso contrário - você provavelmente ira  gosta assim mesmo. (Risos)

Enredo

No final de 1918, enquanto a guerra civil grassava na Rússia, o antagonismo estava se espalhando lentamente para o leste, entre as montanhas Oural e Xangai. Presos entre o desejo de salvar o que restou da grande Rússia Imperial e, começando do zero, velhos generais, organizações secretas e mercenários atraídos pelo ouro lutam para aproveitar os eventos. Quando Corto Maltese retorna a Xangai, ele mal consegue tempo para se cruzar com seu velho amigo / nêmesis Raspoutine e escapar de uma tentativa de assassinato antes de ser contatado por membros de uma organização secreta chinesa chamada "The Red Lanterns". No coração de violentos horizontes Mandchourianos, Corto e Raspoutine se lançam em uma fabulosa caça ao tesouro, seguindo os trilhos do misterioso trem blindado de Koltchak. Um monstro de aço cravado com canhões e metralhadoras,este trem protege o ouro contra-revolucionários, viajando pela Mongólia, e! Mandchouria. Enquanto seguia a trilha sangrenta deste trem condenado.