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  • Dragon's Heaven (1988) Dirigido por Makoto Kobayash


     Dragon's Heaven - 1988 / Makoto Kobayashi

    Dragon's Heaven é um OVA (Original Video Animation) lançado em 1988 e dirigido por Makoto Kobayashi, um dos nomes importantes da animação japonesa nos anos 80 e 90. Este OVA é uma obra singular, que mistura elementos de ficção científica, mechas (robôs gigantes) e fantasia, e que deixa uma impressão duradoura pela sua estética visual ousada e pela proposta narrativa complexa. Embora sua trama não seja das mais detalhadas ou acessíveis, Dragon's Heaven brilha em sua execução visual e atmosferática, fazendo jus ao seu status de cult entre os fãs de animação.


    Direção: Makoto Kobayashi

    Estúdio: AIC
    Ano de lançamento: 1988
    Gênero: Ação, Ficção científica, Mecha
    Duração: Aproximadamente 40 minutos

    Enredo e Ambientação



    A história de Dragon's Heaven se passa em um futuro distante, num mundo devastado pela guerra. A trama gira em torno de dois protagonistas: Jin, um piloto habilidoso, e Tetsuya, seu companheiro de armas. Eles pilotam um gigantesco mecha, uma máquina de combate chamada "Dragon", que é capaz de voar e lutar com uma agilidade impressionante. No entanto, o que inicialmente parece ser apenas uma história de ação com mechas vai se aprofundando, revelando temas de sacrifício, o peso da guerra e a relação entre a humanidade e as máquinas.

    Ao longo do OVA, os protagonistas enfrentam desafios em um ambiente pós-apocalíptico, lutando contra forças desconhecidas em um mundo onde a linha entre homem e máquina se torna cada vez mais tênue. O filme mergulha em uma atmosfera melancólica e, por vezes, filosófica, questionando o que significa a sobrevivência e a natureza de um mundo destruído pela violência.

    Estilo Visual e Arte

    Um dos maiores atrativos de Dragon's Heaven é sua impressionante animação e estilo visual. O design dos mechas é detalhado e exuberante, com influências que remetem aos tradicionais animes de mecha da época, como Mobile Suit Gundam, mas com uma abordagem mais estilizada e futurista. A batalha entre os gigantescos robôs e os cenários apocalípticos, repletos de ruínas e paisagens desoladas, criam uma atmosfera imersiva e visualmente impactante.

    A direção de arte é claramente influenciada pelo trabalho de Yoshiyuki Tomino (diretor de Mobile Suit Gundam) e pelo estilo único de Yasuomi Umetsu em Meatball Machine e outras obras da época. O design de personagens e mechas de Dragon's Heaven apresenta uma combinação de formas orgânicas e mecânicas, com detalhes que dão uma sensação de movimento e vivacidade às máquinas, além de um trabalho detalhado no uso das sombras e da iluminação, criando um contraste dramático com o cenário apocalíptico.

    Além disso, a paleta de cores é sombria e pesada, com tons de cinza, preto e vermelho predominando durante muitas das cenas de batalha, criando uma sensação de desolação que complementa o tom de fatalismo presente no enredo.

    Música e Atmosfera

    A trilha sonora de Dragon's Heaven também se destaca. Composta por Keiichi Oku, a música é sombria e ambiental, complementando perfeitamente a atmosfera melancólica do OVA. As faixas de ação são energéticas e ajudam a intensificar as sequências de batalha, enquanto as melodias mais suaves proporcionam uma sensação de introspecção durante os momentos mais contemplativos, quando os protagonistas questionam suas próprias motivações e as implicações de suas ações.

    A música tem um papel fundamental em acentuar a sensação de solidão e desesperança que permeia o mundo pós-apocalíptico do OVA. Ela não apenas serve como fundo para a ação, mas também ajuda a enfatizar o conflito interno dos personagens e o peso emocional das escolhas que fazem.

    Narrativa e Personagens

    A narrativa de Dragon's Heaven, embora interessante, não é tão acessível ou linear quanto outras produções do mesmo período. O enredo é simples em sua premissa – dois guerreiros em um mundo devastado lutam para sobreviver – mas a construção da história é mais focada nas emoções e no simbolismo do que em uma trama explícita e desenvolvida. Isso pode ser uma barreira para quem busca uma história clara e coesa.

    Os personagens, especialmente Jin e Tetsuya, são arquétipos típicos de heróis de guerra: destemidos, corajosos e capazes de sacrifícios pela sobrevivência. No entanto, sua falta de desenvolvimento mais profundo pode fazer com que o público se distancie um pouco deles. A relação deles com as máquinas e com o mundo ao seu redor é a principal força motriz da narrativa, e o conflito emocional de ambos é explorado de forma indireta, por meio das suas interações e das situações extremas em que se encontram.

    Conclusão

    Dragon's Heaven é um OVA que se destaca mais pelo seu estilo visual arrojado e sua atmosfera única do que pela profundidade de sua história ou desenvolvimento de personagens. É uma obra que, para muitos, pode ser difícil de compreender ou até um pouco vaga em sua narrativa, mas ao mesmo tempo, oferece uma experiência sensorial imersiva e uma reflexão sobre a guerra, o sacrifício e o poder da criação.

    Apesar de sua complexidade e da falta de explicações diretas, o OVA conquista pela sua arte impressionante, sua música marcante e pela maneira como combina temas de ficção científica e fantasia de uma forma inesperada. Para os fãs de mecha, ficção científica e animação dos anos 80, Dragon's Heaven se torna uma obra cult a ser apreciada pelas suas inovações visuais e pela atmosfera única que constrói.

    Nota: 7/10

    Dragon's Heaven é uma obra que vale a pena ser assistida não apenas pelos aficionados por mechas, mas por qualquer um que busque uma experiência visualmente arrebatadora e uma história profunda, ainda que um pouco fragmentada, sobre os limites entre o humano e o mecânico.

  • Crítica: “Living Large (Vivendo Grande) ” explora os efeitos da gordofobia na adolescência (Annecy 2024)


    Living Large, filme stop motion da diretora Kristina Dufková, conta a história de Ben (voz de Tyler Gray), um adolescente de 12 anos que adora estar com os amigos, se dedicar à banda, cozinhar pratos deliciosos (que é É muito bom para ele) e coma. Um dia, a enfermeira da escola o diagnostica como tendo obesidade grau II. Isso não só leva a provocações por parte dos colegas, mas também a micro agressões por parte de professores e pais. Ansioso por mudar (e talvez fazer com que a garota dos seus sonhos goste dele), Ben faz dieta, mas isso não parece deixá-lo muito feliz.


    A gordofobia é um tema muito delicado e importante de sinalizar, sobre tudo em crianças e adolescentes, quem chega a sofrer perto da escola ou até mesmo em casa devido a este tema, como o caso recente de uma criança de 6 anos que morreu devido a seu pai o força a exercitar-se por “estar muito gordo”. Nos filmes e séries (às vezes até de forma inconsciente) o peso é tratado como algo digno de ridicularizar, se converte em motivo de burla ou asco, como em Wonka ou The Whale. Living Large realmente sinaliza essas atitudes agressivas por parte da sociedade e do círculo cerca o jovem no decorrer do tema..


    Tanto a enfermeira como o professor de educação física abordam a situação de uma perspectiva de advertir a criança, recompensá-la e culpá-la pela falta de atividade física. Por outro lado, seus pais, em sua preocupação, eles recriminam qualquer coisa que você venha e em vez de perguntar como se sente, se concentram em dizer que será “muito mais saudável” uma vez que você, qual, resumido ao mesmo tempo escolar por seu peso, não há mais que afetar mais e mais ao jovem.


    O filme utiliza cenas animadas em 2D que nos envolvem nos pensamentos do protagonista, tanto seus medos quanto suas fantasias, para entender como se vê afetado por esta situação. Também há sequências em que a comida é mostrada muito angustiante para expressar o amor do garoto pela comida, sem atanazá-lo ou retratá-lo como algo horrível, as quais contrastam com outras partes mais obscuras onde ocorrem ansiedade ou sentimentos negativos.


    Quanto ao estilo de animação, o diretor utiliza principalmente o stop motion com marionetes, técnica tradicional do cinema checo (país de onde é o filme). Com sequências variadas que vão desde a vida em casa até os jovens brincando na varanda ou literalmente pelas nuvens, com elementos como neve, animais e burbujas, há um bom olho nos detalhes de cada elemento, assim como um trabalho de fotografia cuidadoso para aproveitar o trabalho dos animadores. O equipamento se concentrou em cuidar muito da expressividade das marionetes: o design dos personagens é divertido e muito criativo, todos têm traços distintivos para torná-los memoráveis ​​à vista.


    O ritmo é leve, leve a sério o tema, sem cair na solenidade e fazendo-o semelhante para audiências jovens que poderiam estar passando pelo mesmo: há humor, um toque de romance, canções divertidas para nos mostrar a paixão musical de Ben e até mesmo um divertido monitor. O final é um pouco abrupto em sua resolução, mas dá uma mensagem importante para pais e adolescentes.



    Living Large trata de um tema importante com empatia, animação engenhosa e personagens com as quais é fácil de carregar. Sua mensagem a pessoas passando por esta situação é tratada com tatuagem sem nunca ser didática e deixar o foco na jornada de seu protagonista. Kristina Dufková nos trás um trabalho entretido e relevante para crianças e adultos por igual, quem quiser ver, esperemos, podemos aprender várias coisas sobre como abordar este tema sem chegar a outros.


    “Living Large” estreia mundial na seção Longas-metragens Contrechamp do festival de Annecy 2024.

  • Mars Express - Questiona nossa relação com a inteligência artificial (Animation First 2024)


    Cyberpunk é um subgênero da ficção científica em que a computação, os mundos digitais e a inteligência artificial interagem diariamente com os seres humanos, mas, inevitavelmente, sempre geram uma mudança nos paradigmas sociais e culturais através de questões ontológicas sobre a nossa relação com as máquinas. O diretor e animador Jérémie Périn acrescenta sua própria opinião a este vasto subgênero com Mars Express, um thriller de ação frenético que questiona nossa relação com a tecnologia.


    Jun Chow (Geneviève Doang), uma estudante universitária acusada de hackear e desbloquear o livre arbítrio em um robô, desapareceu de seu dormitório na cidade mais importante de Marte. Para encontrá-la e descobrir a verdade, um rico empresário (Mathiu Amalric) contrata Aline Ruby (Léa Drucker) e seu parceiro, o andróide Carlos Rivera (Daniel Njo Lobé), porém, ao se aprofundarem no caso, os detetives descobrem uma conspiração. que poderia mudar para sempre o futuro da humanidade.


    O roteiro, também escrito por Jérémie Périn, mistura com maestria elementos do film noir e da ficção científica para construir um thriller dinâmico e imprevisível, com muitas reviravoltas e um mundo em constante expansão. O diretor constrói o mundo organicamente através de pequenos detalhes, diálogos sutis ou design de personagens. Desta forma, nunca sobrecarrega o espectador: dá-nos informações complexas ao mesmo tempo que avança a história, desenvolve as suas personagens e transmite dados históricos sobre este possível futuro.


    É interessante que todos os personagens possuem defeitos muito marcantes e até mesmo os personagens robôs ou andróides possuem algumas características humanas. Carlos Rivera, por exemplo, é um andróide criado a partir das memórias de um ser humano falecido cujo principal conflito é encontrar uma forma de se aproximar de sua ex-mulher, que se ressente dele por ser um homem violento e abusivo. Isto traz consigo vários dilemas: o andróide é igual ao humano? Quem é real? Os sentimentos de Carlos Rivera são reais ou estão condicionados pelas memórias do humano que ele era? O filme não as responde completamente, mas levanta as questões nas nossas mentes e através do desenvolvimento da investigação introduz-nos mais questões e convida-nos a tirar as nossas próprias conclusões.



    Visualmente, Mars Express baseia-se em duas fontes principais: as ilustrações do cartunista francês Moebius e o cenário de câmera de Paprika de Satoshi Kon. A influência do artista de El Incal é notável no design dos personagens e nos avanços tecnológicos presentes no filme (especialmente nos seres tecno-orgânicos vendidos pela empresa Roy Jacker), porém no design das cidades marcianas podemos ver certas reminiscências das ilustrações das revistas pulp da década de 1950. A obra de Satoshi Kon, por outro lado, é homenageada através das diversas sequências POV do filme, que se tornam uma perspectiva aterrorizante quando entendemos que se trata da visão das inúmeras câmeras de vigilância. na cidade.


    Com a Mars Express, Jérémie Périn criou uma obra-prima de ficção científica que utiliza animação para contar uma história sobre a revolução cibernética que visa a evolução das relações entre humanos e máquinas. A proposta do realizador baseia-se no que já foi visto noutros filmes do género, pegando nos elementos mais representativos de cada um deles, tanto a nível estético como narrativo, e tornando-os seus para nos dar um puzzle cheio de mistérios, violência e questões filosóficas. 


    “Mars Express” terá sua estreia nos EUA no 2024 Animation First Festival.

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